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『艺术哲学』 浅论威尔第创作的莎士比亚歌剧作品中的艺术哲学

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puadmin 发表于 2017-12-6 04:15:09 | 显示全部楼层 |阅读模式 打印 上一主题 下一主题

【内容摘要】莎士比亚作为文艺复兴时期最伟大的剧作家,他的作品饱含艺术魅力,充满了深刻的人生哲学。威尔第创作的莎士比亚歌剧充分体现了集体艺术哲学、个体艺术哲学、通俗艺术哲学及情感艺术哲学。文章通过分析不同的歌剧片段,探究了威尔第歌剧中的艺术哲学思想。


英国戏剧家威廉·莎士比亚创作了大量经典戏剧作品,很多人对其进行了不同版本的改编,意大利作曲家朱塞佩·威尔第就是其中之一。威尔第创作的歌剧完美地展现了莎士比亚原著的魅力,同时充分诠释了其所包含的艺术哲学。通过演唱内容的精心设计,威尔第巧妙地将原著的文字进行了修饰,将艺术哲学融合到歌剧演唱中,让观众感受到了不同的莎士比亚作品。有人将歌剧称为艺术中的艺术,因为从理论上来讲,歌剧最终展现的是一种艺术哲学,不同的歌剧作品表达了不同的艺术哲学。本文对威尔第创作的莎士比亚歌剧作品中的艺术哲学进行探究。


一、歌剧《麦克白》的集体艺术哲学

威尔第创作的莎士比亚歌剧充分展现了集体艺术哲学。所谓集体艺术哲学,是指西方古典文化背景下的一种艺术思想形态。它起源于古希腊时期以思想家柏拉图和亚里士多德思想为主流的艺术形态,特点是集体理性、共和意识。中世纪以后,集体艺术哲学渗透到各个文化领域,包括文学、音乐、美术、雕刻等,成为许多艺术家进行创作的指导理论。莎士比亚就是其中一位,他创作的许多人物形象,如《麦克白》中的女巫、刺客、幽灵、精灵等人物形象,就是以在古典城邦生活的各类阶层群众为原型。《罗密欧与朱丽叶》则属于古典艺术类型的作品,它反映的是一种古典艺术模式下的集体意识思想,这种思想概括了歌剧艺术的背景、历史及文化内涵,使歌剧成为高级的艺术。在歌剧《麦克白》中,威尔第充分抓住了这一特点,将众多集体形象巧妙地展现在同一个舞台上,经过歌词的修饰、搭配和改编,巧妙地形成了一种艺术哲学。虽然人物也有主次之分、有阶层的影子,但是又体现了共和意识,这在歌剧艺术创作中极为少见。这种匠心独运,展示了威尔第的歌剧创作才华。

威尔第展现的集体艺术哲学和他对莎士比亚所处时代的用心研究分不开。他认为莎士比亚剧本最大的魅力就是展现了不同时期的社会文化形态,包括艺术哲学思潮。任何艺术类型的创作都需要基于一种艺术哲学,如《麦克白》集中体现了集体艺术哲学,也就是古典文化哲学。其对于西方艺术来讲,相当于儒家思想之于中国传统文化的影响。因此,威尔第创作的歌剧《麦克白》可以说是在向西方艺术的源头致敬。他将这种致敬方式隐藏在合唱中。合唱是歌剧的重要组成部分,在威尔第创作的莎士比亚歌剧中,尤为重视合唱的运用。如《麦克白》第四幕人民大众的合唱“受压迫的祖国”,开场的“暴风雨”合唱,第一幕的“饮酒歌”合唱,第二幕由奥赛罗与伊阿古的二重唱及岛上居民、妇女、儿童与水手的大合唱等。通常来说,歌剧合唱曲在不同情况下具有不同的意义,有时是一种群体情感的抒发,有时是对歌剧的剧情进行评论,有时是在男女主角演唱时进行烘托和呼应等。威尔第通过合唱,将莎士比亚作品中的集体艺术哲学发挥到了极致。


二、歌剧《奥赛罗》《哈姆雷特》的个体艺术哲学

威尔第曾说:“个体艺术哲学就是将自我剖析开,展示给他人看。”

威尔第歌剧最为明显的特点就是人物的自我展现,突出表现为个体艺术哲学。在歌剧《奥赛罗》第一幕中伊阿古首次与罗德利哥谈话时,他劝说罗德利哥:“为了爱一个女人投海自杀,未免太不值得了!”个体艺术哲学在这句话中显露无遗。歌剧艺术起源于模仿,目的是为了让观众感到真实。威尔第的歌剧作品非常注重惊奇元素的运用,人物往往能够化险为夷、有惊无险,这是威尔第歌剧创作的艺术手段。通过各种道具、动作、编剧、节目编排等,将这种审美体验展现无遗:威尔第一开始往往制造矛盾冲突,给人无法解决的感觉,但是通过剧情的层层递进,最终一笑了事。如伊阿古的咏叹调“信仰之歌”、苔丝狄蒙娜的“杨柳之歌”等都是对人物性格进行刻画的重要例证。此外,威尔第对奥赛罗出场时英雄形象的捕捉与刻画,也充分展现了个体艺术哲学——开场狂乱不规则的音乐象征着奥赛罗暴烈的个性,合唱又对奥赛罗威严的一面进行了衬托。开场的暴风雨寓意奥赛罗也经受了同样的暴风雨,瞬间树立起一种英雄形象。威尔第歌剧的成功在于让观众感受到了这种强烈的个体意识以及个体的重要性,这就是威尔第歌剧中所蕴含的个体艺术哲学的魅力所在。

《哈姆雷特》也是如此。威尔第的歌剧创作主要是通过人物的歌词演唱来突出这种艺术哲学。如人物的语言情绪、演唱声调,都要区别于其他类型的歌剧特点,只有这样,观众才能产生不一样的感受,获得一种共鸣。在《哈姆雷特》中,威尔第广泛使用演唱对白,如:“这无知愚昧的鬼魂!魔鬼才俘获你的心!谁可知,正义的精神与邪恶的罪欲从来就是一对孪生儿,它们在母胎里就争斗不休。每一个人间的生命都有它们的记忆,都饱受它们的折磨。这对孪生儿各自占领人类一半的心房,牵扯着人类的动脉,正因为它们的存在与斗争,才使得这世界变成了一具豪华的棺木,盛满了无数的活死人。”在这幕歌剧中,歌词处处展现出个体艺术哲学,从中可以看出威尔第的创作思路来源于生活,高于生活。他从民间生活中汲取养料,通过不断打磨、修改、整理和加工,形成一种具有艺术高度的哲学,使现代人在欣赏威尔第歌剧的时候都会有一种感同身受的感觉。


三、歌剧《第十二夜》的通俗艺术哲学

《第十二夜》通常被看做是生活气息极浓的作品,里面有不少对市井生活与人物的刻画。威尔第喜欢这个作品的原因正如他自己所说:“如果有人问我,到底歌剧有什么秘密,我就会告诉他,秘密就是从生活出发、从人物性格出发,想方设法弄清楚人物的内心是什么样的,然后去体验,最终找到正确的感觉。这就是我的方法。只要我能感觉到的东西,就能够准确鲜明地体现出来,否则就不能。”可见,威尔第深深了解莎士比亚戏剧的精髓,他将《第十二夜》演绎得惟妙惟肖。

歌剧《第十二夜》中有一种生活化的趣味,因而极具感染力,这也是这部歌剧作品成功之处。威尔第认为,歌剧创作最重要的核心不是教条化的表演,不是机械的模仿,对于人物性格的表演不可能做到百分之百的真实,如果说表演绝对真实,那么其实就是一种呆板的复制。优秀的歌剧必定是七分真、三分演,这个演才是激活七分真的关键所在。如果没有三分演,也就不会真。所以有的演员知道如何把握三分演,能够起到画龙点睛的作用,这其实就是威尔第的通俗艺术哲学。


四、歌剧《李尔王》的情感艺术哲学

《李尔王》是演唱和内心情感表达结合得最为成功的作品。

歌剧演员通过演唱传达剧情和展现人物的内心世界,这是歌剧与其他艺术形式的区别。随着歌剧观念的不断更新,人们发现,除了可以用演唱来传达内心世界、介绍剧情和人物形象,还可以用另一种形式诠释歌剧,即人物的声音音色,这为威尔第歌剧艺术增添了新的表现手段。如《李尔王》中的这段歌词:“请听我言!你且先看这夜间游荡漂浮的两类人,仔细观看他们的面孔:造物主给了他们五官的功能,是让他们体会不同的美好,可他们却用于贪婪无度的索取。他们用眼睛辨别金的真伪、银的纯洁、铜的质感;他们用耳朵收集仇人的罪证、亲人的伤事。他们的五官早已丧失原本功能,既看不见自然的美景,也尝不出坚定的滋味;欲望塞满了他们的七窍,酒色迷乱了他们的五感,什么理想、梦想、信仰,就像法律一样被他们肆意糟践!这贪婪的欲望,才是真正的根源。”

声音是可以变化位置和强弱的。演员通过声线的位置变化,可以引导观众对人物的关注度,当需要突出某个重点人物时,演员声线随之提高,起到突出人物的效果,甚至可以通过声音强弱的变化激发剧情的突变,以营造冲突感。

声音美感是歌剧艺术最有力的表现元素。在声音美感的衬托下,观众可以真实地体验歌剧的氛围。如《李尔王》中:“这正是正义手中操纵的棋子,是它荼毒生灵的咒语,正义利用欲望,干着不可见人的勾当。好了,你且闭合你的嘴唇,莫让它们再发出为魔鬼辩护的糜烂之音!我也看得出,你不过是个巧言令色的奸徒之辈,只会扮演巧承的角色,或许,在一个三流的舞台上,你能得到庸脂俗粉的一记香吻。而在我心里,你不过是魔鬼的帮凶,天使的夙敌,你只会用一些光明的暗谋、虚妄的真言、巧猾的拙理、凶残的温雅来逃脱造物主对你丧尽的良心的最后判决。你这假冒正义的匪类,还有什么话要说?”这段台词配合演员声音的美感传递出充沛的感情,能够给观众留下深刻的印象。


结语

综上所述,西方歌剧艺术经历了漫长的发展期,在发展的过程中融合了不同剧作家的艺术表现手段,成为一种高雅的艺术形式。歌剧艺术需要不断实践科学的表现方式,才能真正做到与时俱进,这也是研究威尔第歌剧的意义所在。威尔第的歌剧创作在许多方面都具有创新性,他勇于改革,打破思想的牢笼,尤其是他所创作的莎士比亚歌剧具有深厚的艺术哲学思想,对其进行研究有助于歌剧艺术的创新发展。


作者:陈泓竹 王鸿俊


参考文献:

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[8]马思嘉.十大莎翁歌剧[J].歌剧,2007(1).

[9]马浄.盛名之下的艰难创新——国家大剧院版歌剧《奥赛罗》评析[J].人民音乐,2013(6).

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