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『钢琴』 钢琴教学要重视作品风格的讲解

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puadmin 发表于 2018-5-28 00:04:18 | 显示全部楼层 |阅读模式 打印 上一主题 下一主题

作为钢琴教师,对学生进行严格技术训练的同时,就应逐步引导他们掌握正确的风格概念,通过讲解钢琴发展的几个重要时期的特点,让学生有一个明确的概念。


钢琴作品的风格,已不是一个纯粹的理论问题,而是一个实践问题,一个必须与教学和演奏密切结合起来的实践问题。由于不同历史时期,钢琴的表现形式千差万别,因此用不恰当的速度、声音、触键来演奏某种特定风格时期的乐曲,被视为比弹错音更严重的错误。所以在教学时,教师首先应对钢琴作品的风格流派有明确的脉络,对学生进行严格技术训练的同时,就逐步引导他们掌握正确的风格概念。

刚开始学琴的学生,大都弹奏的是小汤普森,这本教材收录了一些短小的、趣味性很强的小曲子,在进行风格教学时,教师主要是启发学生弹奏出乐曲所要表达的情绪即可。例如:第一册中玛丽的小羊,我们就应该告诉学生,它是一首民歌,给学生哼唱歌词,让他感受到愉快的气氛,并让他在弹奏时也要努力让大家感受到。这种训练会为学生能够弹奏各种不同风格的作品打下坚实的基础。


当学生弹奏到《巴赫初级钢琴曲集》时,我们就应该开始向他们讲述,钢琴艺术发展经历了四个主要风格形态时期:巴罗克风格时期;维也纳古典风格时期;浪漫主义风格时期;印象主义风格及20世纪现代音乐风格时期。由于各个时期作曲家的美学观念、追求目标、作曲技法等有很大不同,因此也就使各个流派形成各自的风格特点。


由巴赫和亨德尔发展起来的音乐,即音乐史上的巴罗克时期。巴罗克艺术气度高贵、情调感人。在演奏巴赫的曲子时,速度比较适中,既不太快,也不太慢。这一时期的钢琴是古钢琴,它采用细弦、木结构及钢片拨弦,构造及发声原理决定了乐器的音量很小,在演奏中采用“阶梯式”的力度处理,即一层一层地渐强渐弱。重视每个音的触键,每个音符都要有良好的音质,并且注意每个线条的歌唱性,同时注意使各个声部之间组织成良好的声部关系,从而在横纵两方面把音乐组织成完美的整体。巴赫的音乐主要以复调音乐为主,即由几个并行的线条构成,一般不分主次,即使有所突出,也仍应保持几个声部的独立进行。由于巴罗克时代的古钢琴没有踏板,因此在训练中应该首先强调手指严格的连奏。

基于以上巴洛克时期的特点,我们要求学生在弹奏复调作品时必须要先分声部练,小巴赫还容易,一般都是两个声部,左右手各负责一个声部,所以分手练就可以,到了巴赫创意曲声部就更多,两个、三个甚至四个声部,很多时候都是左右手交替弹奏一个声部或是一只手弹奏两个声部,这时要把所有的声部线条都弹清楚,是很不容易的,因此拿到曲子后不要急着弹,要先分析主题,标出主题的位置,然后分声部练,对每个旋律的位置都很熟悉,做到心中有数,这样才能把复调的线条弹清楚,不会出现有的同学弹得复调一团乱麻,不知所云的情况。


在初级阶段,教师往往还会选用克勒所编的《小奏鸣曲集》,它收录了库劳、克莱门蒂、海顿、莫扎特、贝多芬和舒伯特的奏鸣曲。在弹奏这些作品时,应给学生讲解以海顿、莫扎特和贝多芬为代表的维也纳古典乐派。

它的主要特征是反映人类普遍的思想要求、追求美的观念、强调风格的高雅,给予人们乐观向上的进取精神。古典风格时期的演奏速度比巴罗克时期有很大提高。古典时期由于“槌子琴”的出现,音量增大了,可以用不同的触键来做渐强、渐弱的变化,因而音乐表现力比巴罗克时期更为丰富了。到了贝多芬时期又有更大的发展,力度幅度明显增大。古典主义时期钢琴的声音与古钢琴完全不一样,莫扎特、海顿的声音更清晰,他们更强调手指的颗粒性、清晰度和透明度。而贝多芬声音结实、雄厚,因为他的音乐内容常常是富于戏剧性的,他要求声音的音量和厚度大大地超过莫扎特和海顿。

弹这一时期的作品,必须要求学生注意谱子中的各种表情记号,尤其是力度记号。很多学生从头弹到尾一个力度,这肯定是不行的。这一时期的作品,力度跨度非常大,有的一开始pp、到后来会渐强到f、甚至ff结束。它的那种力度的对比,那种矛盾的冲突要表现的很明显。因此,注意力度的对比是弹好古典主义时期作品的关键。

当学生弹奏到高级时,逐渐接触到舒伯特、门德尔松、舒曼、肖邦、柴科夫斯基、李斯特、拉赫玛尼诺夫等的作品,教师应该讲述浪漫主义时期的演奏风格。这一时期的音乐与以往音乐的最主要不同在于强调个性与自我感受,对情感世界的表现无拘无束,体现了浪漫主义所特有的激情。浪漫派音乐强调表现人的感情:热情、激动、悲伤等,因此力度的起伏很大,音乐的表现力也就更丰富了,力度也有很大的扩张。例如:莫扎特用p、f、ff出现在莫扎特的一个作品中(A小调奏鸣曲K.Nr.310),贝多芬用ppp、ff,李斯特甚至用ffff。浪漫主义时期的音乐主要是抒发个人情感,所以旋律很重要,声音的美非常重要。

弹到这一时期,必须是有一定的弹奏能力的,并且要有一定的分析能力。上面讲到浪漫主义时期的音乐主要是抒发个人情感,因此拿到作品时,不能什么都不知道就开始弹,而是必须去查阅这个曲子的背景资料,作曲家到底是为了表现什么,表达一个怎样的情绪,比如,李斯特改编的魔王,他是讲述一个焦急的父亲带着生病的孩子在黑夜的森林里策马急奔,孩子不断地受到魔王的诱惑,父亲颤抖着把喘息的儿子紧抱在怀里,就在筋疲力尽地回到家里时,怀里的孩子却已经断气了。乐曲里面有各种各样的情感,有魔王虚假而甜美,哄骗孩子的语气,有父亲焦急的心情,和父亲怀中受惊的孩子的紧张声调。如果你不是事先做了这些了解,你一定不会体会出这种种的情感,一定弹不出这首曲子真正的感情。因此了解作曲家的创作意图,是把握这一时期的作品最为重要的。


当然对技巧的掌握是最关键的,一个作品如果技巧都不能胜任,根本就谈不上风格的把握。而对作品风格的正确掌握是对演奏的更高一级要求,也只有弹奏出风格作品正确的,才算是真正掌握了作品的灵魂。当然对作品风格的把握不是一蹴而就的,它是一个逐步积累的过程,通过聆听各种不同风格的作品获得感性体验,通过对作品音乐风格各要素的把握获得理性判断。长此以往,在今后接触到新的音乐作品时,定会对作品风格有较为准确的把握。



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